Por fin actualicé

Despues de muchos meses, por fin me digno a subir una nueva entrada a mi blog, espero escribir más seguido, ya no solo serán criticas cinematograficas, espero ampliar el contenido de este blog, subiré tambien algunos cuentos y poemas que he escrito, les recomendare algún libro o disco, les contaré algunas cosas que me pasan, y próximamente dibujos y fotografias de mi autoria, será algo un poco mas variado, espero lo lean mucho.

Cuando los hermanos se Encuentran

Viaje a Darjeeling

En los últimos días he pensado que todos los adultos (¡dios! ya soy un adulto) seguimos teniendo la conciencia del niño que fuimos, ese niño sigue formando parte de todas las decisiones que tomamos y de todo lo que hacemos, me refiero a que la infancia es la etapa más importante de nuestra vida. Tomamos conciencia de nosotros mismos, como a los seis o siete años, y es este niño el primero que somos y de él surgirán todos los demás que seremos a lo largo de nuestra vida, este niño es entonces, la raíz de nuestra personalidad.

Los personajes de Wes Anderson, son niños encerrados en cuerpos de adulto, a lo largo de su corta, pero sin duda riquísima filmografía, Wes ha reflexionado en particular sobre este tema, esa necesidad del ser humano de encontrarse consigo mismo, de ver hasta lo mas profundo de su interior y comprenderse, entenderse, de conocer al niño que fue, a la raíz de su árbol. Entonces, todos sus personajes son extrañas criaturas pálidas de miradas perdidas que deambulan sin rumbo con relaciones catastróficas.

Los hermanos Whitman, son los protagonistas de la nueva película de Anderson. A un año de la muerte de su padre y de no hablarse, Francis (Owen Wilson), Peter (Adrien Brody) y Jack (Jason Schwartzman) harán un viaje a bordo del Darjeeling Limited, un tren de primera clase que recorre la india, su intención: un viaje espiritual que culmine con el rencuentro con su madre, una mujer religiosa enclaustrada en un monasterio.

Wes Anderson, nos cuenta una historia de fraternidad renovada. Las relaciones entre padres e hijos son las más difíciles, son también las relaciones entre hermanos las que presentan mayor grado de dificultad. Los mismos hermanos reconocen que su relación hubiera sido fácil si su amistad hubiera sido como hombres y no como hermanos.

A partir del viaje por la India que los hermanos hacen, Wes mediante los detalles y no tanto mediante lo que pasa, nos cuenta la difícil relación de los Whitman, quienes como niños huérfanos, llevan sus vidas como cual nave sin rumbo, poco a poco y debido a las dificultades del viaje, los hermanos se van reencontrando, gracias también al paisaje exótico y reconfortante que los rodea, una india azul, blanca y naranja, que huele a especies y sabe a lima dulce y se presenta como un magnifico y contrastante telón de fondo a la historia gris de los Whitman.

La sombra de su padre muerto viaja con ellos, como sus coloridas maletas, herencia invaluable del progenitor. Es la sombra del padre la que al principio lleva las riendas de la historia, y provoca algunas de las dificultades iniciales.

El padre es en Darjeeling Limited, un camino, un ejemplo de vida a seguir, un vagón de tren, unas gafas, un auto. El padre es todo lo material que nos hace pertenecer a este mundo y nos arraiga a él.

La madre es en cambio el destino final, el principio y el final, el viaje que todos hacemos (representado hermosamente por un plano secuencia en el cual todos los personajes viajan en un tren que es pueblo hindú, avión, habitación de hotel) hacia la madre, es un viaje de regreso, hacia el vientre, encontramos ahí la paz, el reconocimiento de uno mismo, la reconciliación con los hermanos, una madre que esta ahí y que no esta, es solo un punto simbólico, pues la madre es en realidad lo espiritual, lo que no es de este mundo, lo que finalmente une a los hermanos.

Debo decir que la película no es perfecta, falla en su ritmo anacrónico, que me parece innecesario y que confunde un poco, sin embargo, se trata de una bonita reflexión sobre la naturaleza del viaje que todos hacemos, estamos todos en un tren que va a alguna parte, debemos encontrar la forma de ir al niño, al vientre, a la madre, de saber quien somos y entonces tomar otro tren dejando de lado al padre, lo material.

Pequeña Señorita Rayo de Sol, Calurosa y Entrañable

Little Miss Sunshine

Pocas veces nos encontramos ante películas como esta. Little Miss Sunshine es una pequeña cinta que conquista el corazón de cualquiera que la ve.

La sencillez con la que esta contada parece ser el principal secreto de esta historia sobre una niña regordeta que quiere ser reina de belleza y su alocada familia.

Muchos han elevado esta película a niveles que no le corresponden y que la misma película no pretende llegar. Que si es una joya, una obra maestra, que si merecía el oscar a mejor película, etc.

Yo creo que es una muy buena y divertida película familiar, con la cual nos podemos entretener mucho, dejarnos llevar y recibir uno que otro mensaje que será útil pero que no resultara revelador.

El reparto con simpáticos todos, es uno de los mejores ensambles de comedia en mucho tiempo. Todos con naturalidad nos hacen hacer simpatía por los personajes.

Pero la estrella de la cinta además de la ya icónica van amarilla es la pequeña Olive, interpretada por la nominada al oscar Abigail Bresling. Con diez años de edad Abigail ofrece una interpretación que si bien es sencilla y poco exigente en el orden dramático requiere de simpatía y carisma únicos.

La película es básicamente una road movie y como toda road movie los personajes en el camino se irán conociendo tanto a ellos como a los que los rodean.

La película esta dirigida por los primerizos Valerie Frais y Jonathan Danton, que hacen evidente su debut en algunas partes de la película donde se pierde el ritmo y las vueltas de cuerda no terminan de encuadrar.

Son los actores los que rescatan un guión sencillo que sin buenos histriones hubiera terminado en una tragedia sin chiste.

Alan Arkin que se gano el oscar por esta película interpreta a un abuelo despreocupado y adicto a la cocaína que ama a su pequeña nieta Olive la adorable y entrañable Abigail Bresling, que quiere ser una reina de belleza.

Grez Kinner interpreta al padre de la familia, un hombre que se dedica a dar conferencias sobre superación personal. Su esposa interpretada por Toni Collete es una ama de casa preocupada.

Dwayne interpretado por el sorprendente Paul Duno es un adolescente maduro que odia a su familia y Richard el tío gay y suicida, encarnado por un contenido Steve Carrell.

Todos juntos descubrirán como sucede en este tipo de películas el valor de la familia y lo importante que es que permanezca unida tanto en los buenos momentos como en los malos.

En resumidas cuentas Little Miss Sunshine es una película que seguramente se convertirá en referencia cultural, pues tiene una historia entretenida y conmovedora, una serie de personajes inolvidables y una pequeña actriz que se roba el cariño de todos.

Su Majestad, Helen Mirren

The Queen

Helen Mirren es una reina de la actuación. La actriz británica posee una sensibilidad increíble para interpretar a todo tipo de papeles. Muchos la recuerdan por su magnifico trabajo en Gosford Park del desaparecido Robert Altman, donde interpreta con insólita mesura a una ama de llaves y es hasta el final de la película que Mirren hace explotar a su personaje en una
lección de perfección actoral.

Llena de la misma discreción y elegante elocuencia histriónica, Mirren se convierte en la reina Isabel II de Inglaterra en la que es independientemente del esplendido trabajo de su protagonista en una de las películas más reveladoras del año: The Queen del britanico Stephen Frears.

Frears que dirigió la mejor actuación de Glenn Close en Dangerous Liaisons, es participe ahora del majestuoso trabajo que Mirren hizo en la reina.

Mirren se mimetiza, con suma discreción e inteligencia va desarrollando un personaje complejísimo. Mirren no solo adopta los modos de la famosa Reina de Inglaterra, también se encarga de humanizarla y hacerla veraz, hay momentos en que creemos ver a la verdadera reina.

Pero no solo se queda en la imitación de los modos, va más allá. Con delicadeza Miren nos exhibe un sin fin de matices y momentos de verdadera maestría. La película seria posible con la simple presencia de Mirren.

Pero si acompañamos a una interpretación de esas históricas, con un guión igualmente grande y una dirección formidable, así como de un reparto que soporta la actuación de la protagonista, conseguimos una película esplendida.

The Queen, es una crónica de la semana en la que murió la princesa Diana y como la reina y el gobierno británico afrontaron la noticia. La Reina se encuentra ante una situación a la que no esta preparada, en donde la tradición se enfrenta con la modernidad y donde es reina antes que ser humano.

Michael Sheen interpreta al primer ministro Blair, al igual que Mirren se muestra esplendido, pero no consigue construir un puente tan sólido como el que la actriz construye entre su personaje y el público.

Pues Mirren llena a la reina de humanidad, una de las escenas claves en la cuales la reina se encuentra en el campo con un venado, es ejemplo ideal de la complejidad que Mirren consigue logrando comunicar sentimientos en una película que hace una narración fría de los hechos.

Cuando digo fría me refiero a que no pretende inclinar la balanza hacia ningún lado, no opina ni juzga a los participantes , ofrece una narración transparente, es la interpretación de Mirren la que logra el resto, conmover de una forma intima .

Ganadora de premios internacionales como la Copa Volpi del festival de Venecia y el oscar, Mirren encontró en esta película el papel de su vida. Estoy seguro que esta actuación será considerada como una de las mejores de la historia. Mirren tiene seguro entonces su boleto a la eternidad.

El Postre

Marie Antoinette

Mientras escribo esto escucho Love Will Tear us Apart de Joy Division, mitica banda de los años 80’s, canción que me recuerda a Marie Antoinette estimulante cinta de la Norteamericana Sofia Coppola.

Sofia Coppola, directora que alcanzara los cuernos de la luna con la multipremiada Lost in Translation estrena su tercera película, que retrata la vida en Versalles de la mítica Marie Antoinette ultima reina de Francia.

Sofia se aleja de los convencionalismos del genero biografico de epoca, el cual siempre ofrece grandes películas que sin embargo siguen la misma línea, por lo menos en lo esencial.

La película de Coppola resulta refrescante, alucinante, como dije antes estimulante, se te mete por los ojos, por los oídos, por la piel.

Coppola ambienta su cinta con música de The Cure, Air, New Order y The Strokes entre otros, calza a la reina con Converses, le tiñe el cabello de rosa, y nos detalla la vida vanidosa y superficial de la reina adolescente.

Estas elecciones artísticas, atemporales y aparentemente fuera de lugar, resultan irle como anillo al dedo a una película que resulta diferente y genial.

Las críticas no tardaron en venir sobre Coppola. ¿Cómo podía atreverse a darse tales libertades? Que si la película resultaba superficial, o históricamente incorrecta.

Lo que Coppola pretende, y yo lo entiendo así -No por que ella lo haya pensado de esa forma, es lo genial del arte cada quien puede ver algo distinto- es hacer el retrato de una niña que se convierte en mujer en un mundo que le exige mas de lo que ella puede dar.

Una niña que es eso, que gusta de los juegos, de comprar vestidos y zapatos, comer pastelillos y escuchar música. Que de repente le llega una responsabilidad que ella no pidió y para la cual no fue preparada: ser Reina de un país en conflicto.

Coppola no pretende hacer una reconstrucción histórica, su objetivo es hablarnos sobre esta muchacha y humanizarla, bajarla a la dimensión humana, desmitificarla y hacer que el público se identifique con ella.

El reto de interpretar a Marie recae sobre la joven ninfa Kristen Dunst, quien con una interpretación sutil y tremendamente elocuente logra convertirse en Marie y volver a ser niña.

La fragilidad e inocencia mostradas por Dunst son sumamente conmovedoras. Su interpretación esta llena de silencios, miradas y risas las cuales nos van seduciendo y nos van enamorando de ella. No de ella, de Marie Antoinette.

Un simpatiquísimo Jason Shawartzman, interpreta a Luís XVI, esposo de Marie. Con los recursos mínimos Jason logra un trabajo sólido y divertidísimo.

Coppola hace uso mínimo de diálogos, todo lo que escuchamos son conversaciones como las que todos tenemos, vanas, sobre ropa y chismes. Son la música, los colores, el ambiente y desde luego la mirada de Dunst los que nos cuentan la historia.

Una historia contada con total sinceridad, sobre una chica como cualquier otra. Independientemente de lo interesante que resulta la inclusión de música contemporánea en una película de época, la inclusión empata totalmente con las imágenes no existe ningún desentono.

La fotografía firmada por Lance Acrod hace uso de una paleta de tonos pasteles que nos dan la sensación de dulzura, el vestuario, la dirección de arte, el maquillaje. Todo esta extraordinariamente realizado.

Marie Antoinette no es solo la película más original de año. Es también uno de los mejores trabajos del año. Una cinta que busca encontrar en los detalles una nueva forma de contar historias, llenándolas de detalles que enriquecen la trama de una manera especial.

Los que pinen que es una película superficial, quizás no se equivoquen, pero en esa superficialidad Coppola construyo una película inolvidable, encantadora y dulce como un pastel.

Ya Vienen, Ya Vienen, Ya Vienen!!!!!

Ahhh...falta muy poco para tres de los eventos mas importantes para mi este año, mas uno que no debo pasar desapercibido. Primero el estreno del nuevo disco de mi amada Bjork, Volta. Pero lo que nos incumbe, son las protagoniztas de la guerra de las taquillas este verano. Harry Potter and the Order of the Phoenix, Spider Man 3 y Pirates of the Caribbean: at the World's Ends. Estoy nervioso y entusiasmado por las dos primeras, en cuanto a los piratas, solo la vere por que ya vi las otras dos.

Larga Vida a Clint 2

Flags of Our Fathers


Si hay algo que admirarle al señor Clint Eastwood es su tremenda vitalidad. El señor tiene casi ochenta años es mas vivaz que cualquier señor de cincuenta.

Hacer una película, cualquiera que sea, requiere un enorme esfuerzo físico y psicológico, me imagino que hacer películas de gran presupuesto debe ser aun más devastador.

Hacer dos en un año y que el resultado sea bueno debe implicar una fortaleza inagotable. Clint lo hizo este año.

Sus cintas hermanas Flags of our Fathers y Letters from Iwo Jima son la prueba de la enorme vitalidad y lucidez de Clint. Merece toda la admiración existente en el mundo.

Flags of our Fathers resulta una cinta menos buena que Letters from Iwo Jima. Sin embargo posee sus propias cualidades.

Quisiera decir que se trata de una cinta con un estilo más clásico. No puedo pues Letters from Iwo Jima posee este estilo aunque con otras referencias.

Puedo describir entonces a Flags como una cinta menos afortunada. Peor afortunada al fin.

En Flags conocemos la historia de tres soldados norteamericanos y sus traumas después de la guerra, de la que fueron sacados por aparecer en la famosa foto en la cual seis soldados colocan una bandera americana en la isla Iwo Jima, como símbolo de triunfo.

Llevados a América para promover la venta de bonos de guerra, son tratados como héroes, mientras se ven envueltos en una serie de mentiras para mantener como verifica una historia que no lo es tanto.

Aquí conocemos las tribulaciones de los hombres que sufrieron el mas grande horror de sus vidas en una pequeña isla del pacifico y que llevaran siempre con ellos ese terrible vacío, hasta el final.

Eastwood reflexiona sobre los motivos por los que los americanos pelean, los jóvenes soldados, pelean para salvar a su hermano, a su amigo, no una bandera, los héroes no existen, son hombres comunes y corrientes como nosotros que sin embargo están dispuestos a morir por el otro.

Con una narración llevada en tres tiempos, que no termina de cuajar. La historia la conocemos por la narración que algunos veteranos le hacen a un hombre más joven. La narración se compone de otros dos momentos, los momentos en Iwo Jima que son Flash backs, recuerdos, de los soldados de gira por América.

La película a nivel técnico es brillante, sumamente depurada con momentos increíbles, Eastwood es un gran hacedor de escenas, de momentos.

Sin embargo el montaje, la edición de la película es impreciso, y al final todo parece precipitarse, metiendo una reflexión que se siente forzada.
En general la película es buena, con algunos puntos débiles que seguramente vienen del guión, pues la película esta muy bien dirigida. Las actuaciones son buenas, al igual que en la otra película nadie destaca en especial, con la intención de mantener la atención en toda la historia y no en un personaje en especial.

Adam Beach, que interpreta a un soldado de origen indio, tiene los momentos mas dramáticos de la película, los cuales saca adelante muy bien, pero su trabajo no resulta impresionante.

En cuanto a Ryan Philip, su trabajo resulta insípido en momentos, reconocemos que se trata de un personaje contenido, pero Philip exagera y no da nada de si para brillar.

Sin duda Eastwood esta en su mejor momento como director. No hay duda de esto. Es verdad llevaba tres películas casi perfectas al hilo. Mystic River, la indiscutible obra maestra Million Dollar Baby y Letters from Iwo Jima, Flags of our Fathers resulta un buen trabajo, que sin embargo palidece ante sus hermanas.

Atonement

Joe Wright director de la mas reciente version de Pride & Prejudice reune a su musa Keira Knightley con el prometedor actor James McAvoy en la adaptacion cinematografica de la reconocida novela de Ian McEwan. Con un estilo ingles clasico esta pelicula promete ser una de las mas destacadas de este año.

Larga Vida a Clint

Letters from Iwo Jima


Clint Eastwood a sus casi 80 años de edad esta en su mejor etapa como director. Tres extraordinarias películas consecutivas: Mystic River, Million Dollar Baby y Letters from Iwo Jima.

Cuando dirigía Flags of our Fathers, épica sobre la batalla de Iwo Jima en la segunda guerra mundial, Eastwood decidió que seria bueno hacer una segunda versión de la película, esta vez desde el punto de vista japonés.

Letters from Iwo Jima no es solo una magnifica película sobre la guerra sino que al final un sutil mensaje antibelico sale a relucir con una delicadeza digna de los grandes maestros.

Si bien las casi tres horas de metraje juegan en contra del film, ya que resulta es cierto un poco tediosa, debo decir que si se le ve con paciencia y atención uno no tardará en entrar al mundo que Eastwood nos ofrece.

Eastwood se cuestiona sobre los motivos por los cuales un hombre esta dispuesto a morir por su patria. Así que poco a poco durante su elocuente película nos va explicando los motivos de algunos de los protagonistas de esta batalla.

A través de cartas escritas por lo soldados, Eastwood nos lleva por una íntima historia de reflexión y filosofía envuelta en una muy bien echa película de acción bélica. Cada momento de Letters from Iwo Jima esta lleno de sensibilidad y emoción.

Los sistemas de honor japoneses que Eastwood atina en presentar a través de los ojos de un hombre que conoce amabas culturas combatientes, resultan fascinantes y desconcertantes al mismo tiempo.

Eastwood nos recuerda que en la guerra no hay buenos ni malos, todos son hombres que añoran con regresar a su hogar pero saben que es probable que no regresen y están dispuestos a morir no por una patria o una bandera, sino por la seguridad de las personas que aman. Hombres que como Eastwood dice, son enviados a morir prematuramente.

A nivel técnico la película es excepcional. La fotografía llena de escenas pasadas de luz, casi con el grano reventado dan la sensación de calor. Contraponiéndolas con otras en las que la ausencia casi total de luz transmite el mismo calor sumando una sensación de claustrofobia.

El sonido esta muy bien diseñado y montado. Nada espectacular pero si lo correcto, los mismo sucede con los efectos visuales.

Todas las actuaciones son buenas, ninguna destaca en particular, lo que da una solidez a la trama que se agradece mucho, evitando que nos concentremos en un solo personaje y nos involucremos con todos.

El hecho de que haya sido rodada en japonés le da un realismo superior lo que se agradece bastante.

Las escenas en las cuales se representan las cartas sirven de punto de partida para conocer los verdaderos deseos y anhelos de los protagonistas. Letters from Iwo Jima escapa a la melcocha común de este tipo de películas y obtiene una postura mas humana, mas artística, hay momentos sobre todo hacia el final de una poesía visual poderosa.

Hermosa película, que hay que disfrutar con calma, digiriendo poco a poco cada momento. Al final si logramos engancharnos las satisfacciones que nos dará serán inmensas.

En conclusión se trata de un film no apto para cualquier público, sin embargo no se necesita ser un intelectual, simplemente una persona sensible dispuesta a poner mucha, mucha atención.

Disney Goes Down

La Familia del Futuro


Todos estamos concientes de la decadencia de los estudios Disney. Desde hace muchos años los estudios de Mickey Mouse no tienen un solo éxito comercial y de crítica y muchas de las películas lanzadas en los últimos años han quedado en el olvido. ¿Alguien recuerda Home on the Range?

Los estudios Pixar socios de Disney eran los que sacaban la cara por la empresa, ocupando el lugar que Disney con su falta de tino había dejado libre.

El aumento de competencia en este tipo de películas, especialmente por parte de Dreamworks, que salvo Shrek no ha tenido otro éxito de crítica, pero el resto de sus películas han logrado buen recibimiento en taquilla. Las de Disney ni eso.

Pixar se coloco como la reina indiscutible en el terreno de animación. Así que Disney de alguna forma tenia algo que presumir. Pero al acercarse el fin del contrato con Pixar Disney empezó a buscar la forma de recuperar el terreno perdido.

Así que el primer paso fue dejar de producir películas en 2D y dedicarse de lleno a la producción de cintas 3D. El primer intento fue Chicken Little, una buena película que fue recibida tibiamente por la crítica y obtuvo ganancias nada espectaculares en taquilla. El segundo intento vida salvaje es el fracaso mas grande en la historia de los estudios del ratón.

Su tercer intento Meet the Robinsons (La familia del futuro) será el ultimo trabajo de la división de Disney 3D ya que con la compra de Pixar este terreno será cubierto.

Y la tercera no fue la vencida. Meet the Robinsons es una película sumamente desafortunada. Si bien tiene buenos personajes y una animación espectacular. Su trama sosa y poco propositiva deja mucho que desear.

Carece de ritmo, la historia se desarrolla de forma torpe y resulta sumamente predecible. Lo que al final debería ser un sorprendente giro de tuerca, resulta el final más lógico y obvio y la moraleja resulta tonta y elemental.

Si bien la animación es espectacular, otros elementos de la cinta están sumamente descuidados. El Score es decente, pero las canciones son un verdadero insulto a la inteligencia de los niños y desde luego de los adultos.

El doblaje es pésimo, no se si la versión en ingles es tan mala en este aspecto, pero al menos la versión en español deja mucho que desear.

Lo pero del asunto, es que al final descubrimos que se trata de un homenaje a Walt Disney. Lo que hace doblemente lamentable la situación.

Lo mejor sin duda es el cortometraje clásico “Bote para armar” protagonizado por los siempre vigentes Mickey, Donald y Gooffy.

Esperemos que los estudios Disney estrenen pronto una buena película, no pueden seguir fiándose del éxito de Pixar y echar de lado el enorme legado que Walt Disney le dejo al mundo. En cuanto a La Familia del Futuro, llévense una almohadita por que tengo un amigo que durante su proyección seguramente soñó con su película favorita de animación, por que la que veía simplemente lo aburrió.

The Savages

La Directora Tamara Jenkins une a dos de los actores norteamericanos mas prometedores, la palabra prometedores parece tonta cuando ambos han ganado multiples premios y nominaciones y han aparecido en muy bunas peliculas, sin embargo, prometen en cada film en el que participan muy buenas actuaciones. Laura Linney y Philip Seymour Hoffman en The Savages, en la que los hermanos Jon y Wenddy Savage tendran que enfrentar la repentina locura de su padre.

New Epic Movie

300

3OO, película basada en el comic de culto de Frank Miller, es una de las experiencias cinematográficas más satisfactorias de la temporada. Muy pocos Blockbusters poseen la calidad de este film.

Si bien no se trata de una película que valga la pena como ejercicio artístico, 300 se vale de una impecable y refrescante estética para llenarnos los ojos de impresionantes y divertidas imágenes que logran el objetivo final. Diversión pura.

Los amantes del cine épico encontraran en esta película una visión más que innovadora del asunto, encontrara en los fotogramas una reinvención del genero que tantas glorias ha dado al séptimo arte y que ultimadamente se había visto venido a menos.

Troya, Alexander, King Arthur, todas ellas fracasaron no solo en taquilla sino también ante la critica. Gladiador, tubo un considerable éxito en taquilla y gano incluso cinco oscares, sin embargo esta lejos de las glorias pasadas.

300 sin grandes arrebatos dramáticos y filosóficos típicos del género es una película entretenida que no excluye de si una historia que involucra el valor y el honor.

Basada en un comic del mítico Frank Miller creador de Sin City, 300 es una interpretación de la famosa batalla entre los 300 espartanos guiados por el Rey Leonidas contra miles de soldados del ejército persa.

La estética minimalista creada por Miller, es prácticamente copiada en la película, logrando momentos de extraordinaria belleza.

Sangre, mutilaciones y deformidades, no repugnan gracias a la plasticidad de las imágenes. Lo que convierte a este film en prodigio de la estética en el séptimo arte. Quizás el punto que más vale la pena resaltar.

El guión fue escrito a favor del lucimiento de la estética. Logrando el objetivo, pero dejando de lado la trama, que en momentos parece ir decreciendo pero que es rescatada por momentos excelsos que parecen sacados de la brocha del mejor de los pintores.

Los efectos visuales usados en 300 están basados en su totalidad en técnicas de pantalla verde llevados al máximo, ya que prácticamente todo el decorado del film fue creado digitalmente.

Muy buen entretenimiento que escapa del convencionalismo y propone más que el promedio de películas palomeras. Sin embargo no deja de ser una película palomera y no pretende mas, bien por eso.