Pequeña Señorita Rayo de Sol, Calurosa y Entrañable

Little Miss Sunshine

Pocas veces nos encontramos ante películas como esta. Little Miss Sunshine es una pequeña cinta que conquista el corazón de cualquiera que la ve.

La sencillez con la que esta contada parece ser el principal secreto de esta historia sobre una niña regordeta que quiere ser reina de belleza y su alocada familia.

Muchos han elevado esta película a niveles que no le corresponden y que la misma película no pretende llegar. Que si es una joya, una obra maestra, que si merecía el oscar a mejor película, etc.

Yo creo que es una muy buena y divertida película familiar, con la cual nos podemos entretener mucho, dejarnos llevar y recibir uno que otro mensaje que será útil pero que no resultara revelador.

El reparto con simpáticos todos, es uno de los mejores ensambles de comedia en mucho tiempo. Todos con naturalidad nos hacen hacer simpatía por los personajes.

Pero la estrella de la cinta además de la ya icónica van amarilla es la pequeña Olive, interpretada por la nominada al oscar Abigail Bresling. Con diez años de edad Abigail ofrece una interpretación que si bien es sencilla y poco exigente en el orden dramático requiere de simpatía y carisma únicos.

La película es básicamente una road movie y como toda road movie los personajes en el camino se irán conociendo tanto a ellos como a los que los rodean.

La película esta dirigida por los primerizos Valerie Frais y Jonathan Danton, que hacen evidente su debut en algunas partes de la película donde se pierde el ritmo y las vueltas de cuerda no terminan de encuadrar.

Son los actores los que rescatan un guión sencillo que sin buenos histriones hubiera terminado en una tragedia sin chiste.

Alan Arkin que se gano el oscar por esta película interpreta a un abuelo despreocupado y adicto a la cocaína que ama a su pequeña nieta Olive la adorable y entrañable Abigail Bresling, que quiere ser una reina de belleza.

Grez Kinner interpreta al padre de la familia, un hombre que se dedica a dar conferencias sobre superación personal. Su esposa interpretada por Toni Collete es una ama de casa preocupada.

Dwayne interpretado por el sorprendente Paul Duno es un adolescente maduro que odia a su familia y Richard el tío gay y suicida, encarnado por un contenido Steve Carrell.

Todos juntos descubrirán como sucede en este tipo de películas el valor de la familia y lo importante que es que permanezca unida tanto en los buenos momentos como en los malos.

En resumidas cuentas Little Miss Sunshine es una película que seguramente se convertirá en referencia cultural, pues tiene una historia entretenida y conmovedora, una serie de personajes inolvidables y una pequeña actriz que se roba el cariño de todos.

Su Majestad, Helen Mirren

The Queen

Helen Mirren es una reina de la actuación. La actriz británica posee una sensibilidad increíble para interpretar a todo tipo de papeles. Muchos la recuerdan por su magnifico trabajo en Gosford Park del desaparecido Robert Altman, donde interpreta con insólita mesura a una ama de llaves y es hasta el final de la película que Mirren hace explotar a su personaje en una
lección de perfección actoral.

Llena de la misma discreción y elegante elocuencia histriónica, Mirren se convierte en la reina Isabel II de Inglaterra en la que es independientemente del esplendido trabajo de su protagonista en una de las películas más reveladoras del año: The Queen del britanico Stephen Frears.

Frears que dirigió la mejor actuación de Glenn Close en Dangerous Liaisons, es participe ahora del majestuoso trabajo que Mirren hizo en la reina.

Mirren se mimetiza, con suma discreción e inteligencia va desarrollando un personaje complejísimo. Mirren no solo adopta los modos de la famosa Reina de Inglaterra, también se encarga de humanizarla y hacerla veraz, hay momentos en que creemos ver a la verdadera reina.

Pero no solo se queda en la imitación de los modos, va más allá. Con delicadeza Miren nos exhibe un sin fin de matices y momentos de verdadera maestría. La película seria posible con la simple presencia de Mirren.

Pero si acompañamos a una interpretación de esas históricas, con un guión igualmente grande y una dirección formidable, así como de un reparto que soporta la actuación de la protagonista, conseguimos una película esplendida.

The Queen, es una crónica de la semana en la que murió la princesa Diana y como la reina y el gobierno británico afrontaron la noticia. La Reina se encuentra ante una situación a la que no esta preparada, en donde la tradición se enfrenta con la modernidad y donde es reina antes que ser humano.

Michael Sheen interpreta al primer ministro Blair, al igual que Mirren se muestra esplendido, pero no consigue construir un puente tan sólido como el que la actriz construye entre su personaje y el público.

Pues Mirren llena a la reina de humanidad, una de las escenas claves en la cuales la reina se encuentra en el campo con un venado, es ejemplo ideal de la complejidad que Mirren consigue logrando comunicar sentimientos en una película que hace una narración fría de los hechos.

Cuando digo fría me refiero a que no pretende inclinar la balanza hacia ningún lado, no opina ni juzga a los participantes , ofrece una narración transparente, es la interpretación de Mirren la que logra el resto, conmover de una forma intima .

Ganadora de premios internacionales como la Copa Volpi del festival de Venecia y el oscar, Mirren encontró en esta película el papel de su vida. Estoy seguro que esta actuación será considerada como una de las mejores de la historia. Mirren tiene seguro entonces su boleto a la eternidad.

El Postre

Marie Antoinette

Mientras escribo esto escucho Love Will Tear us Apart de Joy Division, mitica banda de los años 80’s, canción que me recuerda a Marie Antoinette estimulante cinta de la Norteamericana Sofia Coppola.

Sofia Coppola, directora que alcanzara los cuernos de la luna con la multipremiada Lost in Translation estrena su tercera película, que retrata la vida en Versalles de la mítica Marie Antoinette ultima reina de Francia.

Sofia se aleja de los convencionalismos del genero biografico de epoca, el cual siempre ofrece grandes películas que sin embargo siguen la misma línea, por lo menos en lo esencial.

La película de Coppola resulta refrescante, alucinante, como dije antes estimulante, se te mete por los ojos, por los oídos, por la piel.

Coppola ambienta su cinta con música de The Cure, Air, New Order y The Strokes entre otros, calza a la reina con Converses, le tiñe el cabello de rosa, y nos detalla la vida vanidosa y superficial de la reina adolescente.

Estas elecciones artísticas, atemporales y aparentemente fuera de lugar, resultan irle como anillo al dedo a una película que resulta diferente y genial.

Las críticas no tardaron en venir sobre Coppola. ¿Cómo podía atreverse a darse tales libertades? Que si la película resultaba superficial, o históricamente incorrecta.

Lo que Coppola pretende, y yo lo entiendo así -No por que ella lo haya pensado de esa forma, es lo genial del arte cada quien puede ver algo distinto- es hacer el retrato de una niña que se convierte en mujer en un mundo que le exige mas de lo que ella puede dar.

Una niña que es eso, que gusta de los juegos, de comprar vestidos y zapatos, comer pastelillos y escuchar música. Que de repente le llega una responsabilidad que ella no pidió y para la cual no fue preparada: ser Reina de un país en conflicto.

Coppola no pretende hacer una reconstrucción histórica, su objetivo es hablarnos sobre esta muchacha y humanizarla, bajarla a la dimensión humana, desmitificarla y hacer que el público se identifique con ella.

El reto de interpretar a Marie recae sobre la joven ninfa Kristen Dunst, quien con una interpretación sutil y tremendamente elocuente logra convertirse en Marie y volver a ser niña.

La fragilidad e inocencia mostradas por Dunst son sumamente conmovedoras. Su interpretación esta llena de silencios, miradas y risas las cuales nos van seduciendo y nos van enamorando de ella. No de ella, de Marie Antoinette.

Un simpatiquísimo Jason Shawartzman, interpreta a Luís XVI, esposo de Marie. Con los recursos mínimos Jason logra un trabajo sólido y divertidísimo.

Coppola hace uso mínimo de diálogos, todo lo que escuchamos son conversaciones como las que todos tenemos, vanas, sobre ropa y chismes. Son la música, los colores, el ambiente y desde luego la mirada de Dunst los que nos cuentan la historia.

Una historia contada con total sinceridad, sobre una chica como cualquier otra. Independientemente de lo interesante que resulta la inclusión de música contemporánea en una película de época, la inclusión empata totalmente con las imágenes no existe ningún desentono.

La fotografía firmada por Lance Acrod hace uso de una paleta de tonos pasteles que nos dan la sensación de dulzura, el vestuario, la dirección de arte, el maquillaje. Todo esta extraordinariamente realizado.

Marie Antoinette no es solo la película más original de año. Es también uno de los mejores trabajos del año. Una cinta que busca encontrar en los detalles una nueva forma de contar historias, llenándolas de detalles que enriquecen la trama de una manera especial.

Los que pinen que es una película superficial, quizás no se equivoquen, pero en esa superficialidad Coppola construyo una película inolvidable, encantadora y dulce como un pastel.

Ya Vienen, Ya Vienen, Ya Vienen!!!!!

Ahhh...falta muy poco para tres de los eventos mas importantes para mi este año, mas uno que no debo pasar desapercibido. Primero el estreno del nuevo disco de mi amada Bjork, Volta. Pero lo que nos incumbe, son las protagoniztas de la guerra de las taquillas este verano. Harry Potter and the Order of the Phoenix, Spider Man 3 y Pirates of the Caribbean: at the World's Ends. Estoy nervioso y entusiasmado por las dos primeras, en cuanto a los piratas, solo la vere por que ya vi las otras dos.

Larga Vida a Clint 2

Flags of Our Fathers


Si hay algo que admirarle al señor Clint Eastwood es su tremenda vitalidad. El señor tiene casi ochenta años es mas vivaz que cualquier señor de cincuenta.

Hacer una película, cualquiera que sea, requiere un enorme esfuerzo físico y psicológico, me imagino que hacer películas de gran presupuesto debe ser aun más devastador.

Hacer dos en un año y que el resultado sea bueno debe implicar una fortaleza inagotable. Clint lo hizo este año.

Sus cintas hermanas Flags of our Fathers y Letters from Iwo Jima son la prueba de la enorme vitalidad y lucidez de Clint. Merece toda la admiración existente en el mundo.

Flags of our Fathers resulta una cinta menos buena que Letters from Iwo Jima. Sin embargo posee sus propias cualidades.

Quisiera decir que se trata de una cinta con un estilo más clásico. No puedo pues Letters from Iwo Jima posee este estilo aunque con otras referencias.

Puedo describir entonces a Flags como una cinta menos afortunada. Peor afortunada al fin.

En Flags conocemos la historia de tres soldados norteamericanos y sus traumas después de la guerra, de la que fueron sacados por aparecer en la famosa foto en la cual seis soldados colocan una bandera americana en la isla Iwo Jima, como símbolo de triunfo.

Llevados a América para promover la venta de bonos de guerra, son tratados como héroes, mientras se ven envueltos en una serie de mentiras para mantener como verifica una historia que no lo es tanto.

Aquí conocemos las tribulaciones de los hombres que sufrieron el mas grande horror de sus vidas en una pequeña isla del pacifico y que llevaran siempre con ellos ese terrible vacío, hasta el final.

Eastwood reflexiona sobre los motivos por los que los americanos pelean, los jóvenes soldados, pelean para salvar a su hermano, a su amigo, no una bandera, los héroes no existen, son hombres comunes y corrientes como nosotros que sin embargo están dispuestos a morir por el otro.

Con una narración llevada en tres tiempos, que no termina de cuajar. La historia la conocemos por la narración que algunos veteranos le hacen a un hombre más joven. La narración se compone de otros dos momentos, los momentos en Iwo Jima que son Flash backs, recuerdos, de los soldados de gira por América.

La película a nivel técnico es brillante, sumamente depurada con momentos increíbles, Eastwood es un gran hacedor de escenas, de momentos.

Sin embargo el montaje, la edición de la película es impreciso, y al final todo parece precipitarse, metiendo una reflexión que se siente forzada.
En general la película es buena, con algunos puntos débiles que seguramente vienen del guión, pues la película esta muy bien dirigida. Las actuaciones son buenas, al igual que en la otra película nadie destaca en especial, con la intención de mantener la atención en toda la historia y no en un personaje en especial.

Adam Beach, que interpreta a un soldado de origen indio, tiene los momentos mas dramáticos de la película, los cuales saca adelante muy bien, pero su trabajo no resulta impresionante.

En cuanto a Ryan Philip, su trabajo resulta insípido en momentos, reconocemos que se trata de un personaje contenido, pero Philip exagera y no da nada de si para brillar.

Sin duda Eastwood esta en su mejor momento como director. No hay duda de esto. Es verdad llevaba tres películas casi perfectas al hilo. Mystic River, la indiscutible obra maestra Million Dollar Baby y Letters from Iwo Jima, Flags of our Fathers resulta un buen trabajo, que sin embargo palidece ante sus hermanas.

Atonement

Joe Wright director de la mas reciente version de Pride & Prejudice reune a su musa Keira Knightley con el prometedor actor James McAvoy en la adaptacion cinematografica de la reconocida novela de Ian McEwan. Con un estilo ingles clasico esta pelicula promete ser una de las mas destacadas de este año.

Larga Vida a Clint

Letters from Iwo Jima


Clint Eastwood a sus casi 80 años de edad esta en su mejor etapa como director. Tres extraordinarias películas consecutivas: Mystic River, Million Dollar Baby y Letters from Iwo Jima.

Cuando dirigía Flags of our Fathers, épica sobre la batalla de Iwo Jima en la segunda guerra mundial, Eastwood decidió que seria bueno hacer una segunda versión de la película, esta vez desde el punto de vista japonés.

Letters from Iwo Jima no es solo una magnifica película sobre la guerra sino que al final un sutil mensaje antibelico sale a relucir con una delicadeza digna de los grandes maestros.

Si bien las casi tres horas de metraje juegan en contra del film, ya que resulta es cierto un poco tediosa, debo decir que si se le ve con paciencia y atención uno no tardará en entrar al mundo que Eastwood nos ofrece.

Eastwood se cuestiona sobre los motivos por los cuales un hombre esta dispuesto a morir por su patria. Así que poco a poco durante su elocuente película nos va explicando los motivos de algunos de los protagonistas de esta batalla.

A través de cartas escritas por lo soldados, Eastwood nos lleva por una íntima historia de reflexión y filosofía envuelta en una muy bien echa película de acción bélica. Cada momento de Letters from Iwo Jima esta lleno de sensibilidad y emoción.

Los sistemas de honor japoneses que Eastwood atina en presentar a través de los ojos de un hombre que conoce amabas culturas combatientes, resultan fascinantes y desconcertantes al mismo tiempo.

Eastwood nos recuerda que en la guerra no hay buenos ni malos, todos son hombres que añoran con regresar a su hogar pero saben que es probable que no regresen y están dispuestos a morir no por una patria o una bandera, sino por la seguridad de las personas que aman. Hombres que como Eastwood dice, son enviados a morir prematuramente.

A nivel técnico la película es excepcional. La fotografía llena de escenas pasadas de luz, casi con el grano reventado dan la sensación de calor. Contraponiéndolas con otras en las que la ausencia casi total de luz transmite el mismo calor sumando una sensación de claustrofobia.

El sonido esta muy bien diseñado y montado. Nada espectacular pero si lo correcto, los mismo sucede con los efectos visuales.

Todas las actuaciones son buenas, ninguna destaca en particular, lo que da una solidez a la trama que se agradece mucho, evitando que nos concentremos en un solo personaje y nos involucremos con todos.

El hecho de que haya sido rodada en japonés le da un realismo superior lo que se agradece bastante.

Las escenas en las cuales se representan las cartas sirven de punto de partida para conocer los verdaderos deseos y anhelos de los protagonistas. Letters from Iwo Jima escapa a la melcocha común de este tipo de películas y obtiene una postura mas humana, mas artística, hay momentos sobre todo hacia el final de una poesía visual poderosa.

Hermosa película, que hay que disfrutar con calma, digiriendo poco a poco cada momento. Al final si logramos engancharnos las satisfacciones que nos dará serán inmensas.

En conclusión se trata de un film no apto para cualquier público, sin embargo no se necesita ser un intelectual, simplemente una persona sensible dispuesta a poner mucha, mucha atención.

Disney Goes Down

La Familia del Futuro


Todos estamos concientes de la decadencia de los estudios Disney. Desde hace muchos años los estudios de Mickey Mouse no tienen un solo éxito comercial y de crítica y muchas de las películas lanzadas en los últimos años han quedado en el olvido. ¿Alguien recuerda Home on the Range?

Los estudios Pixar socios de Disney eran los que sacaban la cara por la empresa, ocupando el lugar que Disney con su falta de tino había dejado libre.

El aumento de competencia en este tipo de películas, especialmente por parte de Dreamworks, que salvo Shrek no ha tenido otro éxito de crítica, pero el resto de sus películas han logrado buen recibimiento en taquilla. Las de Disney ni eso.

Pixar se coloco como la reina indiscutible en el terreno de animación. Así que Disney de alguna forma tenia algo que presumir. Pero al acercarse el fin del contrato con Pixar Disney empezó a buscar la forma de recuperar el terreno perdido.

Así que el primer paso fue dejar de producir películas en 2D y dedicarse de lleno a la producción de cintas 3D. El primer intento fue Chicken Little, una buena película que fue recibida tibiamente por la crítica y obtuvo ganancias nada espectaculares en taquilla. El segundo intento vida salvaje es el fracaso mas grande en la historia de los estudios del ratón.

Su tercer intento Meet the Robinsons (La familia del futuro) será el ultimo trabajo de la división de Disney 3D ya que con la compra de Pixar este terreno será cubierto.

Y la tercera no fue la vencida. Meet the Robinsons es una película sumamente desafortunada. Si bien tiene buenos personajes y una animación espectacular. Su trama sosa y poco propositiva deja mucho que desear.

Carece de ritmo, la historia se desarrolla de forma torpe y resulta sumamente predecible. Lo que al final debería ser un sorprendente giro de tuerca, resulta el final más lógico y obvio y la moraleja resulta tonta y elemental.

Si bien la animación es espectacular, otros elementos de la cinta están sumamente descuidados. El Score es decente, pero las canciones son un verdadero insulto a la inteligencia de los niños y desde luego de los adultos.

El doblaje es pésimo, no se si la versión en ingles es tan mala en este aspecto, pero al menos la versión en español deja mucho que desear.

Lo pero del asunto, es que al final descubrimos que se trata de un homenaje a Walt Disney. Lo que hace doblemente lamentable la situación.

Lo mejor sin duda es el cortometraje clásico “Bote para armar” protagonizado por los siempre vigentes Mickey, Donald y Gooffy.

Esperemos que los estudios Disney estrenen pronto una buena película, no pueden seguir fiándose del éxito de Pixar y echar de lado el enorme legado que Walt Disney le dejo al mundo. En cuanto a La Familia del Futuro, llévense una almohadita por que tengo un amigo que durante su proyección seguramente soñó con su película favorita de animación, por que la que veía simplemente lo aburrió.

The Savages

La Directora Tamara Jenkins une a dos de los actores norteamericanos mas prometedores, la palabra prometedores parece tonta cuando ambos han ganado multiples premios y nominaciones y han aparecido en muy bunas peliculas, sin embargo, prometen en cada film en el que participan muy buenas actuaciones. Laura Linney y Philip Seymour Hoffman en The Savages, en la que los hermanos Jon y Wenddy Savage tendran que enfrentar la repentina locura de su padre.

New Epic Movie

300

3OO, película basada en el comic de culto de Frank Miller, es una de las experiencias cinematográficas más satisfactorias de la temporada. Muy pocos Blockbusters poseen la calidad de este film.

Si bien no se trata de una película que valga la pena como ejercicio artístico, 300 se vale de una impecable y refrescante estética para llenarnos los ojos de impresionantes y divertidas imágenes que logran el objetivo final. Diversión pura.

Los amantes del cine épico encontraran en esta película una visión más que innovadora del asunto, encontrara en los fotogramas una reinvención del genero que tantas glorias ha dado al séptimo arte y que ultimadamente se había visto venido a menos.

Troya, Alexander, King Arthur, todas ellas fracasaron no solo en taquilla sino también ante la critica. Gladiador, tubo un considerable éxito en taquilla y gano incluso cinco oscares, sin embargo esta lejos de las glorias pasadas.

300 sin grandes arrebatos dramáticos y filosóficos típicos del género es una película entretenida que no excluye de si una historia que involucra el valor y el honor.

Basada en un comic del mítico Frank Miller creador de Sin City, 300 es una interpretación de la famosa batalla entre los 300 espartanos guiados por el Rey Leonidas contra miles de soldados del ejército persa.

La estética minimalista creada por Miller, es prácticamente copiada en la película, logrando momentos de extraordinaria belleza.

Sangre, mutilaciones y deformidades, no repugnan gracias a la plasticidad de las imágenes. Lo que convierte a este film en prodigio de la estética en el séptimo arte. Quizás el punto que más vale la pena resaltar.

El guión fue escrito a favor del lucimiento de la estética. Logrando el objetivo, pero dejando de lado la trama, que en momentos parece ir decreciendo pero que es rescatada por momentos excelsos que parecen sacados de la brocha del mejor de los pintores.

Los efectos visuales usados en 300 están basados en su totalidad en técnicas de pantalla verde llevados al máximo, ya que prácticamente todo el decorado del film fue creado digitalmente.

Muy buen entretenimiento que escapa del convencionalismo y propone más que el promedio de películas palomeras. Sin embargo no deja de ser una película palomera y no pretende mas, bien por eso.

The Golden Age Preview

Secuela de Elizabeth, maginifica pelicula estrenada por Shekhar Kapur en 1998 y protagonizada por la maravillosa Cate Blanchett, The Golden Age nos narra la vida de la reina Elizabeth I durante la llamada Era de Oro. Geoffrey Rush, Clive Owen y Samatha Morton se unen al reparto de esta ambisiosa pelicula.

Beatle Movie

Julie Taymor, directora de Frida, estrenara proximamente Across the Universe, pelicula musical con rolas de los beatles!!!, ambientada durante la guerra de vietnam. Protagonizada por Evan Rachel Wood (Thirteen), Across the Universe, promete ser una de las peliculas mas originales del año.

Pelicula y Poema

The Fountain

Es realmente difícil tratar de reseñar esta película, si bien he disfrutado mucho de ella, debo confesar que no la he entendido completamente.

Entiendo el hermoso discurso del amor, entiendo la trama que se desarrolla en tres tiempos distintos. No entiendo la concesión entre las tres historias. Y no tratare de divagar buscando significados que no encontrare y que quizás invente yo mismo, no. Me quedare con lo que mi pequeña comprensión descifró, eso es suficiente.

Muchos dicen que The Fountain es una película de sensorial, no racional. Estoy totalmente de acuerdo. No solo por que no pude descifrarla a nivel racional. Si no también por que muy pocas películas han impactado de tal manera mis sentidos, haciendo uso de poderosas imágenes y música.

The Fountain tercer trabajo de Darren Aronofsky cuenta una historia de amor que se desarrolla en tres momentos distintos del tiempo. En el presente un hombre lucha por encontrar una cura para la enfermedad de su esposa. En el pasado, un conquistador busca la fuente de la vida eterna para su reina en el nuevo mundo. Y en el futuro un hombre trata de llegar a Xibalba una estrella en extinción donde los mayas creían que se encontraba el inframundo.

Las tres historias se van tocando a lo largo de la película. En ella una sensible historia de amor trágico se va desarrollando. Aronofsky, hace uso de una gran cantidad de símbolos los cuales son de esenciales para la comprensión final de la historia.

Cada escena goza de un vigor increíble. Llena de momentos intensos y de hermosa belleza visual la película es sorprendente. Se te mete por los ojos, las imágenes son hermosas llenas de una enorme carga emocional, la música hace juego y ayuda a elevar la emoción que se respira en cada momento del metraje.

Hugh Jackman esplendido, en lo que es probablemente su mejor actuación. Rachel Weisz deslumbra con su belleza y su fragilidad. Ambos actores logran estremecer solo con miradas, consiguiendo conmover profundamente.

Me recuerda un poco a la que quizás es la película mas espectacular de la historia del cine: 2001, Una odisea en el espacio. La trama parece desvariar y no tener resoluciones coherentes, sin embargo estas películas van mas allá de lo convencional y solo utilizan la trama como mero marco de referencia para incluir una enorme carga simbólica, como en la poesía.

Eso es, poesía. La poesía parece no tener coherencia, las palabras se rebuscan para intentar impresionar el alma, no la razón. Eso es The Fountain, una poesía de amor, mas parecida al poema 20 de Pablo Neruda, que a cualquier película.

Hermosa y sorprendente obra de arte, totalmente distinta a cualquier otra cosa habida en el panorama cinematográfico actual. Aronofsky demuestra su enorme sensibilidad en esta rotunda obra maestra del cine universal.

Ratatouille

Aqui esta el avance de la nueva pelicula de los estudios Disney-Pixar Ratatouille, las aventuras de una rata parisina amante de la buena comida. Esta dirigida por Brad Bird creador de The Incredibles lo que promete mucho. Von Apetite!!!

Big Like an Elephant

Elephant es una pelicula que he visto tardiamente, estrenada en 2003, la vi hace unos dias, y debo decir que es una enorme pelicula, Gus Van Sant se saco un 10 con esta magnifica pieza de verdadero arte.

Extraña Ficcion

Stranger Than Fiction

Si nuestra vida fuera un libro, ¿Qué tipo de libro seria? ¿Una comedia o un drama? Stranger than Fiction, cuarta película del director norteamericano Marc Foster, toma esta premisa muy enserio convirtiéndola en una película extrañamente convencional.

Sin ser un mal trabajo, el gran pero de esta película, que debo decir me gusto mucho, esta en que nunca parece tomar un tono, va y viene entre la comedia, el drama, el thriller y la fantasía sin tocar al mismo tiempo ninguno de estos géneros, dejando poco claro lo que quiere decir.

Marc Foster es un director que si bien empezó con el pie derecho, con el dramon Monster’s Ball continuo su carrera con dos películas bastante disparejas. El drama de época Finding Neverland, con una factura impecable, pero de tibio desarrollo dramático. Y el inentendible thriller Stay que confundió hasta a los mas listos.

Stranger than Ficiton intenta ser una comedia irreverente e hilarante, pero termina convirtiéndose en un drama sentimentalista que intenta reflexionar sobre la vida, obteniendo reflexiones existencialistas poco convincentes.

Harold Crick (Will Ferrel) es uno de esos hombres modernos que viven en la rutina en cuyos días pocas aventuras suceden. Una voz narra cada uno de sus movimientos y le advierte que un suceso tan simple como el que se pare su reloj, provocara su muerte inminente. Asustado por la profecía de la insoportable voz que lo persigue sin parar, Harold esta dispuesto a encontrar una respuesta a tan singular situación. Resulta que es el personaje principal de la nueva novela de Karen Eiffel (Ema Thompsom) una famosa novelista especializada en matar a sus héroes.

Esta aparentemente alocada trama, es abordada por Foster de una forma pasiva, dejando que los personajes lleven la trama. Will Ferrell hace de Bill Murray con una actuación introspectiva poco convincente y Ema Thompmsom ofrece una muy buena interpretación de una escritora desesperada por encontrar el final adecuado.

Dustin Hoffman, Queen Latifa y Maggie Gyllenhaal (que se roba la película), completan el reparto. Con interpretaciones secundarias bastante bien logradas.

El diseño de producción minimalista de la cinta hace juego perfecto con la trama.

Muchos compararon a esta película con los trabajos de Charlie Kaufman guionista de cintas como Eternal Sunshine of the Spotless Mind y Being John Malkovitch, la diferencia radica en que a diferencia de Kaufman, Zach Helm guionista de esta película no logra profundizar sus personajes y se preocupa mas en la trama, muy bien lograda, pero hueca sin personajes reales que la sustenten.

Stranger than Ficiton es una película regular, que sirve de entretenimiento palomero y nada mas. Me gusto mucho, pero debo reconocer sus defectos.

Sunshine

Aqui lo tienen...el trailer de la nueva pelicula de Danny Boyle (Trainspotting) Sunshine.

Los Habitantes del Suburbio

Little Children

El suburbio es una de las locaciones mas recurridas por los cineastas norteamericanos contemporáneos. En el suburbio historias íntimas, de familias disfuncionales y secretos inconfesables se tienden a la par de la tragedia muda, esa que permanece silenciosa, causando el más horrible de los dolores.

El actor Todd Field, hizo su brillante debut en 2002 con In the Bedroom (Crimen Imperdonable), brillante drama sobre una familia de suburbio que es separada súbitamente.

Con Little Children, Field regresa a esa jungla suburbana, donde conviven personas de todo tipo, hombres y mujeres que viven sus vidas furtivamente tratando de complacer a la voraz sociedad.

Basada en una exitosa novela de Tom Perrota, Little Children (Secretos Íntimos) es una muy buena película sobre la vida en el suburbio y una inquietante reflexión sobre lo que significa ser adulto.

Las vidas de Sarah, Brad, Larry y Ronnie transcurren en algún suburbio de Estados Unidos. Donde intentan sobrellevar una existencia que no los complace. Escondiendo y reprimiendo sus deseos.

Sarah (Kate Winslet), es una joven madre que ha descuidado sus aspiraciones y que ahora se ve atrapada en una vida rutinaria donde todo gira alrededor de su pequeña hija y su marido ordinario.

Brad (Patrick Wilson), un joven padre desempleado, esta harto de depender de su bella esposa Kathy (Jennifer Connelly).

Larry (Noah Emerich) un expolicia que se esfuerza por mantener a ralla a Ronnie (Jackie Earle Haley) un pederasta que ha regresado al suburbio después de cumplir una condena en prisión.

Sarah y Brad se conocen en un parque donde llevan a sus hijos a jugar, surge entre ellos un romance que los lleva a cuestionarse profundamente sobre el significado de sus vidas.

La pasión que habita sus cuerpos los convierte en adolescentes despojados de responsabilidades, que los lleva a vivir un estado de libertad que los seduce completamente.

Field, inicia contándonos una historia sobre la infidelidad; pero a medida que va introduciendo al personaje de Ronnie, la película aumenta sus posibilidades dramáticas.

Todos los vecinos se encuentran aterrados por la llegada de este invasor e intentan a toda costa mantener a sus hijos alejados del peligro. Larry ha decidido no quedarse con las manos cruzadas y hostiga día y noche al malhechor, recordándole que esta siendo vigilado.

La película se va alargando sin llevarnos aparentemente a ningún lado. Las tramas secundarias parecen estar ahí de más. Pero es en los momentos finales, cuando la tragedia se hace presente y todas estas historias se unen de forma fulminante y es cuando todo lo contado con anterioridad obtiene un sentido.

Siempre seremos niños pequeños, caprichosos, inconscientes de nuestros actos. Pero cuando somos adultos debemos asumir nuestras responsabilidades, pues otros más pequeños e indefensos dependen de nosotros.

La cinta nominada a tres oscares es bastante disfrutable, muy buena, pero no resulta sensacional. Kate Winslet ofrece una actuación contenida y discreta. Mientas que Jakie Earle Haley inquieta con su conmovedora interpretación de Ronnie. Ambos nominados al oscar con su trabajo son lo mejor de la película en cuanto a actuación.

El guión construido con la estructura de un cuento se hace de un narrador omnipresente que nos cuenta detalles insospechados dotando a la película de una ironía inconcebible tomando en cuenta su corte dramático.

Little Children resulta una película más que decente, falla quizá en la dirección, la cual no sabe enfocar bien las historias que al final son rescatadas por un brillante guión. Muy buena película que sin embargo no termina de convencer aunque es reconocible su enorme calidad.

Acting Class

Notes on a Scandal

Los Actores son de los artistas más respetados en nuestra sociedad. La actuación, la buena actuación, convierte a personas en otras que le son remotamente familiares. Esa interpretación de lo desconocido, muchas veces se encuentra sustentada en las experiencias propias del actor, convirtiendo a su creación, su personaje en una obra única e irrepetible.

Cate Blanchett y Judy Dench, son enormes actrices con registros dramáticos infinitos, capaces de habitar personajes tan disímiles con una facilidad admirable. Ambas gozan de una salud histriónica envidiable, así como de una versatilidad propia de los grandes de la actuación.

La veterana actriz y dama del imperio Británico, Judy Dench, es una consagrada actriz de teatro, que en los últimos 15 años se ha forjado su carrera en el cine como una de las mejores actrices que han dado las tierras galas.

Por su parte la Australiana Cate Blanchett, se encuentra en una transición entre la otrora actriz promesa a la sólida muestra de un talento y presencia inigualable.

Comparten protagonismo de la que me atrevo a describir como una de las películas más emocionantes de la temporada. Notes on a Scandal, es el escenario perfecto para que estas dos damas desplieguen todo su talento interpretativo.

Sheba Hart (Blanchett) es una joven maestra de arte que inicia su vida como docente en el prestigioso colegio Sant. George en Londres. Barbara Covett (Dench) es una veterana maestra de historia la cual es mas que respetada en la institución. Fascinada por la presencia de Sheba, Barbara inicia a escribir un diario, el cual gira alrededor de las impresiones que Sheba le causa.

Ocasionalmente se vuelven amigas. Sheba encuentra en la mujer un confidente, desahogándose sobre la cotidianidad de su vida. Barbara aprecia el gesto de Sheba, pero va exagerando los detalles de Sheba, sola abandonada, Barbara piensa que con Sheba a su lado jamás volverá a estar sola, obsesionándose con la compañía de su joven amiga.

Cuando Barbara descubre que Sheba tiene amoríos con uno de sus estudiantes, encuentra la forma de forjar un lazo irrompible que obligara a Sheba a permanecer al lado de Barbara aun en contra de su voluntad.

Notes on a Scandal, es entonces un curioso thriller, donde la obsesión y los dobles papeles tienden una red de tensión dramática sumamente emociónate y audaz.

Además de la magistral dirección de Richard Eyre, la música, compuesta por el genial Phillip Glass ayuda a mantener la tensión y llevar el suspenso a niveles inconcebibles para una película en la que el villano es una veterana mujer.

Pero si tomamos en cuenta que esta veterana mujer es interpretada por la seis veces nominada al oscar Judy Dench, entendemos el por que del éxito de dicho personaje.

Dench y Blanchett ofrecen uno de los duelos de actuación mas inquietantes de los últimos años, las dos en sus máximas capacidades, ofrecen actuaciones sumamente convincentes e hipnotizantes.

En las manos de Dench. Barbara se convierte en un personaje empatito, ante el cual el espectador puede llegar a sentir lastima, y desear que sus fechorías salgan bien libradas.

Dench se toma las cosas en serio y a pesar de su edad toma riesgos físicos como el subir de peso (lo que le valió una lesión en la rodilla). Pero su interpretación va mas allá de lo físico, logra momentos verdaderamente perfectos, con una elegancia propia de las mejores actrices inglesas.

Blanchett también brilla y brinda su tercer gran actuación del año, demostrando que es la mejor actriz de su generación. Blanchett nunca se intimida ante la presencia de Dench y se le pone al tu por tu consiguiendo momentos explosivos y de verdadero deleite interpretativo.

Al final la película que va creciendo durante todo el metraje, parece perder el rumbo, resolviendo los cabos sueltos de un tajo. Sin embargo las dos horas de Blanchett y Dench juntas son impagables,

vale la pena cada segundo.

Cine Vintage

The Good German

Stephen Soderberg es uno de los cineastas más originales en activo en la actualidad. Desde su fulminante debut Sex Lies and Video Tapes, Soderberg a demostrado no ir con los convencionalismos hollywoodenses, ni en temática ni mucho menos en forma.

El año pasado estreno dos películas diametralmente distintas. Bubble significo toda una revolución en cuanto a marketing, ya que fue lanzada en DVD, cines, televisión de paga y descargas por Internet simultáneamente.

Rodada en formato digital Bubble cuenta la historia de una comunidad que se dedica a fabricar muñecas a la vieja usanza y como se ven amenazados por los productos de otras marcas que utilizan alta tecnología.

Mientras que con The Good German, cinta que acabo de ver, Soderberg utiliza tecnología del pasado, para lograr una ambientación perfecta para su cinta situada en los años 40’s.

The Good German es un sorprendente experimento, en el cual el director se deshace de los formatos contemporáneos, para adoptar de forma sorprendentemente diestra las técnicas del pasado.

La fotografía -para la cual se utilizo iluminación dramática, y lentes normales, sin zoom-, nos recuerda a clásicos como Casablanca o el Halcón Maltes. Logrando momentos de espantosa similitud al thriller de la época dorada.

La película esta adaptada de la novela homónima de Joseph Kanon, en la que un americano (Geroge Clooney) busca a su ex amante alemana (Cate Blanchett) en el Berlín de posguerra. En medio de ellos se desata una intriga, cuando los rusos y americanos pelean por quedarse con los científicos nazis.

La ambientación, la música, las actuaciones exageradas y estudiadas, el sonido, incluso los créditos, todo esta hecho como antaño, convirtiéndose en un homenaje a las películas de Curtiz, Houston y Hitchcock.

Sin embargo y a pesar de la depurada y hermosísima factura, la película, sin ser mala hay que aclarar, nunca despega y no tiene esa chispa de las películas a las que hace referencia.

Cate Blanchett como es su costumbre ofrece una actuación portentosa, se mete a la piel de Ava Garner, Ingrid Bergman, Katherine Hepburn o Lauren Bacall.

Blanchett luce bellísima, con su cara elegantemente alargada y pálida, su cabello negro y sus ojos penetrantes.

Con su actuación Blanchett logra captar la escénica de todas esas interpretaciones que parecían no regresar nunca, en las que se actuaban y no se imitaba a la realidad.

Su trabajo merece todas las alabanzas habidas, demuestra que es la actriz más versátil de su generación, por no decir la mejor y dejar de lado a otras grandes como Naomi Watts y Kate Winslet.

Junto con la esplendida actuación de Blanchett (quien le roba cámara a todos), la música es lo que mas nos recuerda a aquellas viejas películas. Thomas Newman es el creador de esta enorme partitura nominada al oscar, haciendo reminisensias a su padre el también compositor Alfred Newman.

The Good German es una muy buena película, que si bien falla un poco en su planteamiento, logra ser rescatada por la audacia de un buen director y una actriz que se esta convirtiendo en todo una dama de la actuación.

Ahhh...tambien sale Tobey Maguire. En digamos..un buen papel.

Borat Comes to America

BORAT: El Segundo Reportero más Famoso de Kazajstán viaja a América

En un lugar de Kazajstán, mundo subdesarrollado y arenoso, vive Borat Sagdigev, homo fóbico, antisemita y admirador de América, que además resulta ser el segundo reportero mas famoso de aquel país, a Borat se le ha encomendado la tarea de ir a Estados Unidos, el mejor país del mundo y aprender sobre su cultura para enseñársela al pueblo de Kazajstán, así inicia esta increíble historia que resulta una película original e increíblemente buena.

Así pues, Borat y su parco equipo de producción se dirigen a New York, símbolo de todo lo que pueda significar América, para grabar un documental que registrara los beneficios y virtudes de la cultura occidental. Al encontrarse con una cultura totalmente distinta, los malentendidos fruto de el choque cultural resulta sumamente divertido, confuso e interesante, todo se complica cuando Borat se enamora locamente de la bella Pamela Anderson, por la cual cruzara todo el país en busca de su amor, haciendo de paso una radiografía sumamente critica y divertida a la nación mas poderosa del mundo.

Es difícil, una vez vista la película, creer que Borat no es mas que una invención del actor ingles Sacha Baron Cohen, quien utiliza a su personaje bigoton y espontáneo para poner de cabeza a uno que otro gringo y sacar a la vista su famosísima doble moral. Borat es entonces una seria critica a el doble moralismo de la cultura occidental y al mismo tiempo una de las comedias de bufonescas mas graciosas de los últimos años. Eh ahí la virtud de Borat, se trata de un bufón sumamente perspicaz el cual logra con una facilidad increíble desenmascarar a loa aun mas graciosos y entupidos pobladores de nuestro vecino del norte, Cohen es el maquinador de esta trampa, pues Borat no tiene la mínima intención de hacerlo, lo único que desea es aprender sobre la cultura de dicho país. Y decido separar a Cohen de Borat, por que a pesar de ser obviamente la misma persona, Borat llega a ser tan real que olvidamos que de tras de el, hay un ágil provocador y nos conmovemos con las aventuras de un ingenuo Kazajastani.

El ritmo de la película es trepidante, uno no deja de estar a la expectativa, y no paras de reír, la estructura documental le da aun más veracidad a una película que no se toca el corazón para juzgar a los que eventualmente seria su público y mayor seguidor, vaqueros radicales, judios adinerados, homosexuales, homo fobicos, feministas, religiosos, negros, todos pasan por el lente Borat.

El largísimo subtitulo de la película nos hace pensar en otras futuras aventuras, lo que convertiría a Borat en el Charlot de nuestra era.

Estupenda película que vale la pena ver, una comedia sumamente inteligente y mordaz por un lado y por otro un documento revelador y crítico, con la que es sin duda una de las mejores caracterizaciones-interpretaciones del año, con un Cohen que se convierte en Borat y que logra con astucia sacar los trapitos sucios de toda una nación.